Agencias

El Nobel de Literatura Kenzaburo Oe murió a los 88 años en Japón, donde además de ser uno de los escritores de posguerra más reconocidos ejerció como firme defensor del pacifismo y como activista antinuclear tras el desastre de Fukushima.

Oe falleció durante la madrugada del pasado 3 de marzo por causas naturales, anunció ayer su editorial nipona, Kodansha, que en un comunicado pidió no solicitar entrevistas por respeto a la familia, que ya celebró un funeral en la intimidad, e indicó que próximamente habrá una ceremonia pública.

Oe nació en la prefectura de Ehime en 1935 en el seno de una familia cuyas mujeres se habían dedicado tradicionalmente a labores de narración sobre eventos e historias de la región, incluida su abuela, conocida por sus relatos antinacionalistas.

Cuando el autor tenía seis años, arrancó la Segunda Guerra Mundial, que se llevó a su padre e inculcó valores democráticos en el joven Oe y le llevó a mudarse de su pequeña aldea a la capital, donde estudiaría literatura francesa en la Universidad de Tokio.

El autor hizo su debut literario con el texto "Un trabajo extraño" (1957) y poco después, en 1958, escribió "La captura", que le valió el premio Akutagawa, considerado el más importante entre escritores jóvenes en el archipiélago, cuando tenía tan solo 23 años.

Su primera novela, "Arrancad las semillas, fusilad a los niños" llegó en 1958 de la mano de su editorial habitual, Kodansha, y narra la tragedia de la guerra desde una perspectiva rural, un reflejo de sus años de infancia y con influencias de autores modernistas de la época como Jean-Paul Sartre.

Su hijo

En 1964 y tras el nacimiento de su hijo Hikari -ahora compositor-, con una deformidad craneal y discapacidad mental, Oe escribe "Una cuestión personal", que se convertiría en una de las obras más destacadas de su literatura, además de una de las más personales.

Su salto a la fama se produciría de la mano de "Cuadernos de Hiroshima" (1965), un relato de su viaje a esta ciudad del sur de Japón en 1963 y años posteriores con el fin de entrevistar a las víctimas del bombardeo atómico de 1945.

Más tarde, en 1970, también publicó "Cuadernos de Okinawa", un cuaderno de viaje donde Oe narra sus encuentros con los residentes de este conjunto de islas del sur de Japón, y cuestiona las condiciones de vida en esta región y el poder ejercido por el gobierno central sobre la misma y la ocupación estadounidense.

A partir de entonces, su literatura toma dos vertientes: por una parte, una cruda narración de la paternidad cuando se tiene un hijo con discapacidades y por otra, el reflejo de la sociedad japonesa y la vida en las ciudades tras la guerra.

En 1994, Oe se convirtió en el segundo autor japonés en ganar el premio Nobel de Literatura, después de Yasunari Kawabata, y en reconocimiento a su "fuerza poética y capacidad de crear mundos donde se condensan la vida y el mito para proporcionar una imagen desconcertante de la situación humana actual", según la organización.

Su faceta activista

En su rol más periodístico, Oe escribió también artículos en periódicos y revistas sobre la situación nuclear a la que se enfrenta el Japón actual y participó activamente de varios grupos contra este tipo de energía.

En décadas recientes, el autor también encabezó un movimiento cívico para recoger firmas con el fin de eliminar las plantas nucleares tras el terremoto y tsunami de 2011 que devastó el noreste del país y provocó la crisis nuclear de la que todavía se está recuperando.

"Repetir el error exhibiendo, a través de la construcción de reactores nucleares, la misma falta de respeto por la vida humana es la peor traición posible a la memoria de las víctimas de Hiroshima", escribió en un artículo para la revista estadounidense The New Yorker, 10 días después del desastre.

En 2004, también fundó la Asociación del Artículo 9, un grupo pacifista que pedía al Gobierno japonés renunciar a emprender acciones bélicas bajo ningún contexto.

Según Kodansha, Oe falleció durante la madrugada del día 3 de marzo por causas naturales, y su familia ya habría llevado a cabo un funeral privado a la espera de que se realice una ceremonia pública.

La historiadora del arte británica Katy Hessel propone en el ensayo "Historia del arte sin hombres" echar abajo el concepto de canon occidental y dar voz a gente a la que se ha excluido del relato del arte, además de dar cabida a géneros que no son la pintura o la escultura.

Hessel abre en una entrevista Efe ese canon a "otras formas de arte a las que no se suele prestar tanta atención, como el textil, la costura o la confección de collares". Es directora de la cuenta de Instagram @thegreatwomenartists, que celebra diariamente a las mujeres artistas desde octubre de 2015.

Su propósito es que, cuando se hable de artistas que definen el canon, no solo se piense en Giotto, Botticelli, Tiziano, Leonardo, Caravaggio, Rembrandt, David, Delacroix, Manet, Gauguin, Van Gogh, Kandinsky o Pollock.

Pide que se reconozca también a Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana, Elisabetta Sirani, Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Harriet Powers, Edmonia Lewis, Frances Macdonald, Margaret Mackintosh, Clara Peeters, Suzanne Valadon, Hannah Höch, Ruth Asawa, Lee Krasner, Ana Mendieta, Howardena Pindell y Lubaina Himid.

Latinoamericanas

"Historia del arte sin hombres" (editorial Ático) comienza en el Renacimiento (siglo XVI) con la monja dominica Plautilla Nelli, "primera que pintó 'La Última Cena'", pero da noticia de otras anteriores, como Hildegarda de Bingen en el siglo XII, y advierte que el escritor romano Plinio ya hace referencia a algunas mujeres artistas, sin que hayan quedado registros de sus obras.

Hessel recoge ejemplos de artistas latinoamericanas que despuntaron, sobre todo en el comienzo del siglo XX, como la brasileña Tarsila do Amaral, "una pintora clave en la redefinición de la identidad brasileña en las primeras décadas del siglo pasado", o Frida Kahlo y Tina Modotti, en México.

La primera gran artista renacentista fue, según Hessel, la italiana Sofonisba Anguissola, que vivió en un tiempo en el que las mujeres tenían prohibido dedicarse a la pintura de escenas religiosas, por lo que tuvieron que limitarse a los retratos.

Trampa masculina

En muchos casos, la casi inexistencia de artistas mujeres se ha debido a que sus obras acabaron atribuyéndose a autores masculinos.

"Un cuadro del siglo XIX, el retrato 'Marie Joséphine Charlotte du Val d'Oignes', atribuido durante largo tiempo a Jacques-Louis David, y adquirido en 1917 por el MET de Nueva York por unos 200.000 dólares, se descubrió posteriormente que lo había pintado una mujer", ilustra Hessel.

"Más que un enmascaramiento de la identidad de la autora, es que, una vez que el cuadro entraba en los mecanismos del mercado, se atribuía a un autor masculino, porque así era más fácil venderlo", apunta.

Con una visión diacrónica, Hessel concluye que las mujeres se vieron relegadas a retratos y bodegones con maestría hasta el siglo XIX; en el Siglo de Oro neerlandés, la pintora Rachel Ruysch "dominó el mercado del arte" de su país, "incluso llegó a cotizar por encima de Rembrandt en vida".

En el siglo XX, con las primeras vanguardias, se produce un momento efervescente, a juicio de la historiadora, porque, "de repente, todo cambia, la gente tiene más libertad, las mujeres obtienen el derecho al voto, pueden viajar solas y empezar a plantearse las posibilidades del arte".

Hessel admite que la fotografía y el cine mejoraron las condiciones de acceso de las mujeres a la creación artística, por ser "artes que no tenían siglos de patriarcado a sus espaldas", y se detiene en un caso paradigmático del siglo XIX, la estadounidense Harriet Powers, que nació en la esclavitud, aprendió el oficio de la artesanía en su familia y confeccionó 'quilts' extraordinarios.

El cantante español Alejandro Sanz anunció el próximo lanzamiento de "Correcaminos", un tema que estará disponible el próximo 24 de marzo y que es fruto de su primera colaboración con el artista venezolano Danny Ocean.

El pop, lo urbano y el aire sureño del artista español confluyen en esta propuesta "de celebración, con acordes llenos de música que parecen fortuitos y que imponen un ritmo pegadizo reivindicando la música (española y latina)", indica Universal Music.

"De entre las fechorías musicales fetiches de mi vida, esta con Danny quedará entre mis favoritas", asegura Sanz.